Plaza mallor de Madrid

El trazado rectangular de esta plaza define un espacio cerrado destinado en origen a celebrar festejos y reuniones de carácter popular, función esencial de las plazas barrocas españolas. En los lados norte y sur se levantan, respectivamente, las casas de la Panadería y de la Carnicería, coronadas ambas por chapiteles de pizarra según es característico en la arquitectura civil de la época de los Austrias.

El rapto de Proserpina

El rapto de Proserpina es una escultura realizada por el artista Gianni Lorenzo Bernini entre los años 1621 y 1622, perteneciente, por lo tanto, al Barroco Bernini fue uno de los mejores intérpretes de esa estética teatral, dinámica, grandiosa y naturalista característica del Barroco italiano, que desarrolló en numerosas obras tanto religiosas como mitológicas. A este último género pertenece El rapto de Proserpina. La historia de Proserpina es un ejemplo muy ilustrativo de esto. Proserpina era la hija de Júpiter y Ceres, la diosa de la agricultura, y fue raptada por Plutón, que se la llevó al inframundo para hacerla su esposa. Entonces Ceres, desesperada de dolor, desatendió los cultivos y se lanzó a la búsqueda de su hija. Atendiendo a las quejas de los hombres y de los dioses, que no tenían la comida ni los sacrificios necesarios por el descuido de los campos, Júpiter permitió a Proserpina regresar al Monte Olimpo con la condición de que cada año se quedara junto a su esposo en el inframundo durante un determinado tiempo. Así, cuando Ceres y su hija estaban juntas, la tierra florecía y daba buenas cosechas, pero durante los meses que Proserpina permanecía en los infiernos, la tierra se convertía en un erial estéril. Esta historia simbólica servía a los antiguos griegos y romanos para explicar los cambios de estación y los ciclos naturales del campo. Bernini ha convertido a Plutón en un vulgar secuestrador con la barba y el pelo revueltos, aunque esté coronado como rey de los infiernos, mientras que Proserpina intenta zafarse horrorizada de su abrazo. La agonía que expresa el rostro de la muchacha se contrapone a la procacidad apenas contenida dePlutón, que hunde sus dedos como poderosas tenazas sobre la carne de Proserpina.

Apolo y Dafne

Es una escultura de bulto redondo realizada entre 1621 y 1623 en mármol blanco por el escultor barroco italiano Bernini representa a Apolo y Dafne. Está realizada a tamaño real. En la escultura se representa el mito de Apolo y Dafne. El dios Apolo ha sido tocado por una flecha de Eros que inunda de amor al dios por la ninfa Dafne, hijo del dios-río Peneo. Pero este amor no es correspondido, por lo que Apolo la persigue. La ninfa, viéndose acosada invoca al dios Peneo, su padre, para que le libere de esa situación, y este la convierte en laurel ante los atónitos ojos de Apolo. La obra es profundamente barroca. Las dos figuras forman una línea diagonal muy clara que forman los brazos del dios y de la ninfa; con ello se consigue un espacio abierto, dinámico, que obliga al espectador, si quiere contemplar la obra en su totalidad, a dar la vuelta en torno a ella. Hay una clara contraposición entre Apolo, con su cara de asombro y perpejidad ante lo que está viendo, y la cara de Dafne, en la que la incredulidad y el horror ante lo que la está sucediendo. Apolo es representando como un joven delgado y andrógino. El distinto tratamiento que da Bernini a la superficie del mármol contribuye a dar mayor realismo y crudeza a la escena.

Fontana de Trevi

No debe haber viajero que pase por Roma, que no se asome a la mundialmente famosa Fontana di Trevi para admirarla y arrojar las monedas con la esperanza de que se cumpla la promesa de volver a la ciudad eterna. La fuente está realizada en mármol y adosada al Palacio Polies. Con sus 25,9 m de alto y 19,8 de ancho es ésta la mayor de las  fuentes romanas barrocas y debe su fama en gran parte al cine. Cuando el Papa Clemente XII organizó un concurso de ideas para la fuente, se cambió su emplazamiento original a la cara actual de la plaza para que el papa pudiera verla de frente desde el Palazzo del Quirinale, fue encargada a Berdini. La fuente se ubica sobre un antiguo acueducto romano y sigue la costumbre de señalar la surgente de agua con una pila. Aunque en este caso, en pleno período barroco, la simple pila de antaño se transformó en una gigantesca obra de arte de la época.

Plaza de las cuatro fuentes

La escultura de la Fuente de los Cuatro Ríos, se encuentra en la Piazza Navona de Roma Italia y fue ideada y tallada por Gian Lorenzo Bernini en 1651 bajo el papado de Inocencio X, en plena época barroca, durante el periodo más prolífico del genial artista y cerca de la que en otro tiempo fue la Chiesa di San Giacomo de gli Spagnoli Las estatuas que componen la fuente, tienen unas dimensiones mayores que en la realidad y son alegorías de los cuatro ríos principales de La Tierra: Nilo, Ganges, Danubio y Río de la Plata, cada uno de ellos en uno de los continentes conocidos en la época. En la fuente cada uno de estos ríos está representado por un gigante de mármol. Se dice que las figuras no miran al frente ninguna porque a bernini le habían encargado toda la plaza pero cuando se dio cuenta de que no era asi se enfado tanto que cambio totalmente el etilo de la fuente y quiso representar su enfaado haciendo que estas figuras no miraran ninguna mirara al frente.

Estasis de santa Teresa

Esta obra fue encargada a Berdini por la familia Cornaro para la capilla familiar en la iglesia de Santa Maria della Vittoria. Santa Teresa fue canonizada por Paulo V en 1614, mismo año en el que fueron canonizados San Ignacio de Loyola y San Francisco de Borja, constituyendo así una propaganda a través de las artes de los santos de la Contrarreforma. La iconografía de Santa Teresa es de origen español, apareciendo representada aquí en el momento en que se siente atravesada por el dardo del amor divino, que porta un joven ángel. Toda la escena se desarrolla en el interior de un retablo transparente, llamado así porque dirige la luz hacia su interior hueco. Este es cóncavo, de planta oval al interior, dentro del cual se filtra la luz de origen invisible que baña al grupo, En los relieves de los laterales se hallan representados unos palcos a los cuales se asoman los miembros de la familia Cornaro que asisten al milagro que se desarrolla en el altar.

El Juicio Final

El encargo del Juicio Final se gestara a mediados del año 1533 cuando Clemente VII encargaría a Miguel Ángel la ejecución de dos frescos en las paredes frontales de la Capilla Sixtina representando el Juicio, en la pared de la capilla donde se encuentra el altar, y la Resurrección, en la pared de enfrente. El fallecimiento de Clemente VII en septiembre de 1534 provocaría un ligero abandono del proyecto que sería recuperado por su sucesor, Paulo III. El fresco es de enormes dimensiones 13.70 por 12.20 metros e incluye casi cuatrocientas figuras de las que se han identificado aproximadamente unas 50. La zona superior de la composición, ocupando más de la mitad de la pared, está ocupada por el mundo celestial presidido por el Cristo juez en el centro de la escena y a su ladola Virgen María. Buonarroti quiso representar la salvación de la humanidad a través de la llegadade Cristo. En la zona intermedia encontramos tres grupos los juzgados que ascienden al cielo los condenados que caen al Infierno y los ángeles trompeteros el centro para despertar a los muertos de la zona inferior. En la zona inferior hallamos la barca de Caronte ante el juez infernal Minos. El descubrimiento del fresco provocó inmediatas reacciones de aspecto moral; el cronista de ceremonias pontificio Baggio da Cesena ya lo criticó antes de su inauguración oficial, seguido por Pietro Aretino y los asistentes al Concilio de Trento que no podían permitir los desnudos de la obra y en 1564 se ordenara el cubrimiento de toda la parte obscena.

La Creación

El Papa Julio II, encargó al artista Miguel Ángel Buonarrotti que pintase la bóveda de la Capilla Sixtina del Vaticano, Miguel Ángel se enfrento al encargo reorganizando el espacio a su manera. Esta escena bíblica de la Creación aparece representada con el gesto grandioso de Dios, el Dador de Vida, proyectado a través del contacto electrizante de los dedos que rozan a Adán, infundiéndole vida a través de los mismos. La grandiosa representación la realiza con un dibujo firme logrado a partir de aplicaciones de tonos claros y oscuros que crean un gran efecto plástico. El dibujo diseña además los volúmenes perfectamente delimitados. La perspectiva es una de las grandes conquistas de esta secuencia, ya que hay una perfecta captación tridimensional que logra con intrincados y complicados puntos de fuga y con unos perfectísimos escorzos nunca antes realizados en la historia de la pintura. En el gigantesco Adán, Miguel Ángel representa a una gran escultura, de tamaño mayor que el natural, fuerte, musculoso, bello, que encarna la grandeza de Dios en el género humano, que es obra del Creador. Tardó cuatro años en realizar esta magna obra, pero al final sus inmensos esfuerzos se vieron recompensados ya que despertó la admiración del público.

Cristo Yaciente

Vaticano

En el siglo XV el Papa Nicolás V encargó su reconstrucción a Bernardo Rosellino en 1452 los rabajos se interrumpieron tres años después a la muerte del Papa. Es con Julio II en 1506 cuando se reinician las obras acogiendo el diseño propuesto por Bramante, y se terminó con Pablo V en 1626. Hubo dos proyectos realizados por Bramante y Rafael. El primero es un proyecto de cruz griega y el segundo de cruz latina. Posteriormente, Miguel Ángel retoma el proyecto de cruz griega de Bramante, diseñando también la cúpula de la basílica. El último arquitecto que intervino en la construcción fue Gian Lorenzo Bernini. En la cúpula, con letras de dos metros de alto está escrito Tu est Petrus, et super hanc petram aedificabo eclessia meam, es decir: Tú eres Pedro, y sobre esta piedra edificaré mi iglesia.

 La fachada está precedida por dos estatuas de San Pedro y San Pablo, talladas en 1847 por Giuseppe De Fabris y Adamo Tadolini, En la parte superior de la fachada se sitúa el ático, en el ue se abren ocho ventanas decoradas con pilastras. Coronando el ático se ubica una balaustrada donde se sitúan 13 estatuas de 5,7 m: en el centro aparece Cristo Redentor, Juan el bautista a la derecha, y once de los doce apóstoles, excepto San Pedro. Las esculturas son, de izquierda a derecha: Judas Tadeo, Mateo, Felipe, Tomás, Santiago el Mayor, Juan el bautista, Cristo Redentor, Andrés, Juan el evangelista, Santiago el Menor, Bartolomé, Simón y Matías. A cada lado hay dos relojes realizados en 1785 por Giuseppe Valadier. Bajo el reloj de la izquierda se encuentran las campanas de la basílica. La fachada fue restaurada con motivo del jubileo del año 2000. El espacio interior está dividido en tres naves separadas por grandes pilares. La nave central mide 187 metros de largo y 45 metros de altura; está cubierta por una gran bóveda de cañón. Cabe destacar el particular diseño del suelo de mármol, que presenta elementos de la antigua basílica, como el disco de pórfido rojo egipcio sobre el que se arrodilló Carlomagno el día de su coronación. La nave presenta una superficie de diez mil metros cuadrados de mosaicos, fruto del trabajo de muchos artistas, principalmente de los siglos XVII y XVIII, tales como Pietro da Cortona, Giovanni De Vecchi, Cavalier d'Arpino y Francesco Trevisani. La girola o deambulatorio es el espacio que rodea los cuatro pilares que sostienen la cúpula y es el corazón de la iglesia tal y como la había diseñado Miguel Ángel.

La escuela de Atenas

La escuela de Atenas fue pintada por Rafael en 1509 como encargo del Papa Julio II para la decoración de la Stanza della Segnatura. En la obra  destaca la perspectiva por sus distintos planos y detalles que se aprecian en ellos. El fresco representa a la Filosofía, una de las cuatro facultades clásicas junto con a la teología, el derecho y la medicina. El maestro ha introducido la escena en un templo de inspiración romana, posiblemente siguiendo los proyectos de Bramante para la basílica vaticana, enlazando con la idea del templo de la Filosofía evocado por Marsilio Ficino. Las figuras se sitúan en un graderío, formando diversos grupos presididos por los dos grandes filósofos clásicos: Platón, levantando el dedo y sosteniendo el timeo, y Aristóteles, tendiendo su brazo hacia adelante con la palma de la mano vuelta hacia el suelo con su ética sujeta en el otro brazo, representando las dos doctrinas filosóficas más importantes del mundo griego: el idealismo y el realismo.

La Gioconda

La Gioconda es el cuadro más famoso que existe.Por ello, no es extraño que fuese robado del Louvre en 1911 por Vicenzo Perrugia un pintor italiano. El cuadro no sólo ha sido robado, sino que también ha sido rociado con ácido y golpeado con una piedra. En 2005 fue instalada tras una vitrina antibalas en una sala especial donde está protegida del calor, la humedad y el vandalismo. Se piensa que la protagonista del cuadro es Lisa Gherardini, una dama florentina casada con Francesco del Giocondo, no obstante existen otras posibilidades sobre quién es la protagonista del cuadro. Hay quien dice que es la española Constanza de Ávalos. Una peculiaridad del retrato es que no tiene cejas ni pestañas. Fue la última gran obra de Leonardo, y de hecho estuvo retocándola cuatro años La combinación de la perspectiva aérea y de la técnica del sfumatto que es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura y consigue una estupenda sensación tridimensional y de profundidad.

La Piedad

 Esta realizadaen mármol por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.Representar el ideal de belleza y juventud, de una Virgen eternamente joven y bella. La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al que el autor conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en el que se estipulaba, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer emplazamiento fue sobre la propia tumba del prelado en la capilla de Santa Petronila del Vaticano. Miguel Ángel comenzó por escoger personalmente en las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana el bloque de mármol más apropiado, sobre el que después no haría más que seguir los impulsos de su arte como escultor hasta conseguir la forma pensada. Es la única en que aparece su firma. En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: Miguel Angel Buonarroti, florentino, lo hizo.

El Moises

Es junto a La Piedad, El David y La Capilla Sixtina una de las obras mas famosas de Migel Ángel. Se encargo en 1505 por el Papa JulioII para que formase parte de su sepulcro. Las características renacentistas se encuentran muy marcadas: el movimiento, en los pliegues de su ropa, en el pelo y en la barba. Esta tallado en un único bloque de mármol de Carrara y que alcanza una altura de 235 cm. La estatua se encuentra en Roma, pero no en el lugar para el que fue concebida originariamente sino eniglesia de San Pedro in Vincoli.

David de Miguel Ángel

Se ofreció la obra, y tres artistas se presentaron voluntarios: Andrea Sansovino, Leonardo da Vinci y Miguel Angel Buonarroti. El primero quedó descartado rápido, y la elección quedó entre Leonardo y Miguel Angel. La obra fue confiada a Miguel Ángel y el 13 de septiembre de 1501 comenzó a esculpir el bloque de marmol del que saldria una magnifica obra. En mayo de 1504, Miguel Angel acabó la que es considerada como la escultura más bella y perfecta. En enero de 1504, 32 artistas y ciudadanos de la ciudad de Florencia se reunieron para buscarle emplazamiento. Se decidió que sería en la Piazza de la Signora. Si la ponían mirando hacia Pisa, significaría el deseo de Florencia de reconquistar Pisa, una ciudad que había sido ya florentina. Si se ponía mirando hacia Roma, parecería una mirada de despecho hacia un lugar donde el papa Alejandro VI había cobijado a los Medici que habían sido expulsados de la ciudad por el gobierno florentino. Finalmentese escogió esta última.

Gatamelata

Es una estatua realizada  en bronce por Donatello, situada en la Plaza del Santo en Padua. Es una de las primeras y más importantes estatuas ecuestres de todo el Renacimiento. Es la primera estatua en honor de un guerrero de todo el mundo moderno. Esde bulto redondo realizado en bronce, está realizado para glorificar al personaje representado y también trata de resaltar la virtudes del militar.

San Lorenzo

El Baldaquino de Vernini

En 1624, Bernini recibió el primer encargo oficial: el Baldaquino de San Pietro, Su ejecución consumió nueve años de trabajo (1624-1633), generando muchos problemas. Como el de la provisión de los materiales, que Bernini, seguro de la concesión pontificia, resolvió expoliando todo el bronce del Panteón, lo que suscitó numerosas críticas,Otro problema fue la ubicación de la estructura definitiva que sustituiría a la provisional erigida sobre el altar mayor,Bernini superó las soluciones convencionales de los baldaquinos realizados como obras arquitectónicas con forma de templo, diseñando una estructura dinámica que es, a un mismo tiempo, arquitectura, escultura y decoración. Quiso repetir en las columnas la forma de aquellas torcidas de la antigua pergula columnaria con balaustrada que, desde el siglo IV, separaba el presbiterio del resto de la iglesia, y que se creían procedentes del Templo de Salomón. El Baldaquino, por su dinámica estructura transparente y sus gigantescas dimensiones, deja libre la visión del estático ambiente arquitectónico y se convierte en el único interlocutor del espacio. El Baldaquino es un palio gigante que, en mitad de una procesión, lo impulsan los fieles y lo mueve el viento. Tan perfecta es la ilusión de ser una estructura en movimiento, que las gualdrapas del remate parece que las zarandea el aire.

La Primavera de Boticheli

Cuando Botticelli realiza esta obra en pleno Renacimiento italiano no podía ser completamente consciente de la trascendencia que supondría para el arte posterior. llama la atención su enorme formato, la pintura profana casi nunca utilizó estas dimensiones, esto le confiere un carácter de cristianización. El tema del cuadro es extremadamente complejo: abundan las figuras de la mitología clásica, pero no componen ninguna escena conocida de los textos clásicos La presencia de la diosa Flora, heraldo de la Primavera, es lo que dio su nombre al cuadro, que aparece presidido por Venus y Cupido,Botticelli lo pintó para Lorenzo di Pierfrancesco di Médici, miembro de la prestigiosa familia Médici.

Pierro della Francesca

Piero della Francesca es el sobrenombre de Piero De Benedetto Dei Franceschi que será el gran enamorado de la luz en el Quattrocento italiano y uno de los más grandes pintores del siglo XV. Nació en Borgo San Sepolcro entre 1416 y 1417, en estos años juveniles muestra una profunda admiración hacia la perspectiva, la proporción, el orden y la simetría,En sus obras aportará una iluminación especial, resaltando la volumetría de las figuras, insertadas correctamente en el espacio. recibe el encargo de la decoración de la capilla del coro de la iglesia de San Francisco en Arezzo, donde pintará la Leyenda de la Vera Cruz, su obra maestra, realizada entre 1452 y 1466.Piero falleció en Borgo San Sepolcro el 12 de octubre de 1492, el mismo día que Colón llegaba a América.

Tributo

El Tributo obra de Masacio (1425-1427) se ubica en la capilla Brancacci.Se narra la llegada de Jesús con sus apóstoles a Cafarnaum,Su monumentalismo está inspirado en las estatuas clásicas y en las obras de Donatello por las que Masaccio sentía especial admiración.Conviene destacar la expresividad de los rostros y los gestos, que aportan una tremenda sensación de realismo. Respecto al significado que Masaccio pretende transmitir con este fresco existen diversas interpretaciones;se ha apreciado una referencia a la reforma tributaria que se produjo en Florencia durante el año 1427, que obligaba a declarar las rentas propias con la introducción del catastro; también se apuesta por una interpretación relacionada con el comercio marítimo de Florenciaotros especialistas consideran que se debe parangonar a san Pedro con el papa MartínV.

David de Donatelo

David fue un héroe bíblico que se convierte en rey de los judíosal vencer a Goliat.

La estatua fue encargada para el palacio de los Medici, esta fundida en bronce y se considera la primera figura desnuda desde la Antigüedad Clásica.

El David es una exaltación de la belleza ambigua del adolescente, un hermoso joven desnudo con sombrero florentino y botas, a sus pies la cabeza del Goliat al que parece haber vencido más por su apostura que por su fuerza o inteligencia.

San Gorge de Donatelo

San Jorge es labrado para la iglesia de  San Michele de Florencia, encargado por el gremio de los coraceros. Esta considerada como la primera figura renacentista. Es una figura religiosa cristiana tratada con rasgos individuales como si se tratase de un caballero renacentista. San Jorge fue soldado romano, en el s. IV, que se convirtio al cristianismo negándose a obedecer las órdenes imperiales de perseguir a los cristianos. Será torturado y ejecutado. Posteriormente otra leyenda medieval muy extendida lo representa, en uno de sus muchos viajes venciendo al dragón (en el cristianismo símbolo de Satanás).

Palacio de los Medici

El Palacio de los Medici fue construido entre 1444 y 1460 en Florencia, por Michelozzo, Su planta es casi simétrica, con un patio interior porticado decorado con esculturas que actúa de distribuidor de las diferentes estancias. Tiene tres pisos, la planta baja de la fachada fue realizada con un almohadillado, rústico el primerocon un almohadillado suavizado y el ultimo una fachada lisa rematándose con una espléndida cornisa. 

Destaca su perfecta simetria de la fachada. 


 

Panteón de Agripa

Fue construido en el 27 a.C. por Apolodoro de Damasco vajo manato del emperador Adrián. El Panteón consiste en una planta circular de un diámetro de 43,2 metros, que coincide con su altura, Esta construido con la combinación de un sistema abovedado y adintelado, es decir, destaca la existencia de arcos y bóvedas, pero también predominan las columnas y las líneas rectas, sobre todo en el pórtico principal. Los arcos sonde medio punto y la bóveda del pórtico es de cañón, las columnas son corintias, la decoración interior es muy rica, y el exterior de la cúpula revestida de bronce.La iluminación procede de un ojo central de 9 metros de diámetro situado en la parte más alta de la cúpula, y de unos pequeños vanos abiertos en el anillo que sirve como base de la cúpula con esta construcción los romanos llegaron a una perfección técnica inigualable al resolver problemas por un lado de peso y de empuje, y por otro de estructura. La obra se encuentra en perfecto estado de conservación. Se habilitó para iglesia, y fue reedificado en tiempo de Adrián y estubo erigido a todos los dioses.

Cupula de la catedral de Florencia

La cúpula de Santa María de Fiore fue un gran reto para Brunelleschi.

 Brunelleschi se enfrentó en esa obra al reto que supone trabajar sobre algo ya hecho. No sólo existía ya el campanile deGiotto, el emblema y orgullo ciudadano, sino que de la catedral, en la que había trabajado Arnolfo di Cambio, tan sólo quedaba por hacer la cúpula, de la que incluso las medidas estaban ya dadas. Después de un concurso celebrado en 1418 para adjudicar el proyecto de la nueva cúpula de 42 m, ésta fue encargada a Ghiberti y a Brunelleschi.Los dos volvieron a concursar en 1436 para la realización de la linterna, pero en ambos casos el triunfador fue Brunelleschi pues, incluso en la obra de la cúpula, en la que no le quedó más remedio que compartir funciones con Ghiberti, logró con sus ausencias dejar clara la falta de preparación técnica de éste para ocuparse en solitario de las obras y, Brunelleschi fue llamado inventor y gobernador de la cúpula mayor. En 1436 se acabó la cúpula y fue bendecida oficialmente por el papa Eugenio IV, pero la linterna, diseñada también por Brunelleschi, no se acabó hasta 1464.La cupula es un signo emblemático del primer Renacimiento, con su cúpula doble.

Velázquez

Velázquez nacio el 5 de Junio de 1599 fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal. Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista, por influencia de Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor de cámara por el rey Felipe IV. A esta labor dedicó el resto de su vida. Pintaba retratos del rey y de su familia, así como otros cuadros destinados a decorar las mansiones reales. La presencia en la corte le permitió estudiar la colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de su primer viaje a Italia, donde conoció tanto la pintura antigua como la que se hacía en su tiempo, fueron influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad. En su madurez, a partir de 1631, pintó de esta forma grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se hizo más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el Retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las hilanderas. Su catálogo consta de unas 120 o 125 obras. Algunos lo calificaron como pintor de pintores y el más grande pintor que jamás ha existido. La parte fundamental de sus cuadros que integraban la colección real se conserva en el Museo del Prado en Madrid.

Bernini

Rafael

Nació el 6 de abril de 1483 en Urbino hijo del pintor Giovanni di Sante di Pietro y de Magia di Battista di Nicola Ciarla. El apellido del padre será latinizado por el artista, convirtiéndose en Santius y más tarde en Sanzio.Tras el fallecimiento del padre en 1494, queda bajo la tutela de un tío paterno y acude al taller de Timoteo Vitti, pintor formado en el estilo de Francia y de Costa, Años más tarde acudirá al taller de Pietro Vannucci, el Perugino, para completar su formación.

 El primer encargo conocido de Rafael está fechado el 13 de mayo de 1500, Se trata del retablo del beato Nicolás Tolentino en Città di Castello,Entre 1500 y 1504La obra maestra de este periodo inicial son Los desposorios de la Virgen, donde supera claramente a su maestro. Algunas Madonnas y LasTres Gracias En 1504 se traslada a Florencia, Rfael llega a la cuna del Renacimiento con el deseo de obtener importantes encargos que no se culminarán.

El tema de la Virgen con el Niño el más demandado por la clientela que será imitado por diversos autores de europa De esta etapa florentina también conviene destacar un interesante número de retratos como Agnolo y  Maddalena Doni.A lo largo de su vida realizó varios retratos donde mostró una gran medida de gracia y armonía, ejemplo de esto fue el de Baltasar de Castiglione. Las Madonne y los bambini llenos de belleza y elegancia fueron un tema recurrente tanto en sus retratos como en sus pinturas. En la "Última Cena" dio un gran protagonismo a la figura de los apóstoles. De igual manera realizó retratos de grandes personajes como: del Cardenal Bibbiena (c. 1516), el Retrato de Andrea Navagero y Agostino Beazzano (c. 1516), Retrato de Bindo Altoviti (c. 1514), Retrato de Tommaso Inghirami (1515-1516), Retrato de cardenal (1510-1511), Retrato de Julio II (1511–1512) y Retrato del cardenal Alessandro Farnese (1509-1511). Muchos de ellos se encuentran hoy dispersos en los museos y galerías de Europa.Tras la muerte de Bramante, en 1514, fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro. La mayor parte de sus obras arquitectónicas han sido derrumbadas o modificadas después de su muerte y a raíz de la aceptación de los diseños de Miguel Ángel, pero, sobreviven unos pocos diseños. Para el análisis de estos, se llevó a cabo el examen de un templo que se encontraba muy oscuro, con grandes pilares a lo largo, como un callejón según un análisis critico y póstumo de Antonio da Sangallo el Joven. Existe también la hipótesis de que el templo tiene un parecido con el santuario de La expulsión de Heliodoro del templo.Rafael diseñó otros edificios, y durante un corto tiempo se le consideró el arquitecto más importante de Roma y el preferido del círculo social del papa. Julio había hecho cambios en la disposición urbanística de la ciudad, creando varias vías públicas, las cuales aparentaban esplendorosos palacios.

Miguel Ángel

Miguel Angel. Michelangelo Buonarroti Nacionalidad: Italia Caprese 1475 - Roma 1564 Pintor, escultor y arquitecto Estilo: Renacimiento Italiano Escuela: Cinquecento Miguel Ángel fue el gran escultor, pintor y arquitecto del renacimiento nació en Caprese, cerca de Arezzo, el 6 de marzo del año 1475. Pertenecía a una familia acomodada que se trasladó a la capital de Toscana a las pocas semanas de nacer el pequeño. La madreconfió la alimentación del pequeño a una nodriza, hija y mujer de canteros, dato que será considerado por el artista como fundamental para su formación. inicia estudios de escultura en el Jardín de los Médici, bajo el patronazgo de Lorenzo Estos años serán de gran felicidad para el joven ya que es acogido como hijo adoptivo por el Magnífico en el palacio Médici, donde vivía con los más destacados miembros del humanismo: Poliziano, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola. Sus primeros trabajos escultóricos se realizan bajo la protección de los Médici.La caída de la familia gobernante de la ciudad, a la que contribuyó a huida del joven artista, primero hacia Venecia y después a Bolonia, donde estudió las obras de Jacopo della Quercia. En el invierno de 1495-1496 regresa a Florencia, donde trabaja para Pierfrancesco de Médici, también simpatizante del gobierno popular dirigido por Savonarola al igual que Miguel Ángel. En sus obras escultóricas de estos momentos - especialmente la Centauromaquia - muestra un dominio del movimiento y de la anatomía se traslada a Roma por primera vez. En la Ciudad de los Papas recibirá el encargo de su famosa Pietà del Vaticano, mostrando su manera de trabajar en un Baco y un Cupido esculpidos para el banquero Jacopo Galli. De regreso a Florencia realizó el David y la decoración de la Sala del Consejo del Palazzo della Signoria, siendo el encargado de elaborar la Batalla de Cascina que compitiera con la Batalla de Anghiari encargada a Leonardo.

Leonardo

         

Leonardo da Vinci fue uno de los grandes genios del Renacimiento,  destacando como artista, inventor y descubridor. Nació en 1452 en Vinci, siendo hijo ilegítimo de un notario florentino. Se crió en Florencia y aprendió en el taller de Verrocchio.

En 1482 se traslada a Milán, ofreciendo sus servicios a Ludovico Sforza, Duque de Milán;

 En Milán estuvo durante 17 años, trabajando en variados proyectos de todo tipo, tanto artísticos como científicos, Tras la invasión de Milán por las tropas francesas, regresa a Florencia para trabajar como ingeniero militar. Por estos años realizó múltiples disecciones, mejorando y perfeccionando su conocimiento de la anatomía. Entre 1513 y 1516 está en Roma, pero consciente de que no puede competir con Miguel Ángel, acepta la invitación de Francisco I de Francia y se traslada allí, falleciendo en el castillo de Cloux, cerca de Amboise, en 1519. 

 Su producción estuvo marcada por el interés hacia el claroscuro y el sfumato,la técnica con la que difumina los contornos, consiguiendo una excelente sensación atmosférica como se aprecia en su obra más famosa, la Gioconda. Su faceta como dibujante también es destacable, conservándose una gran cantidad de apuntes.

Masaccio

Nace en Castel San Giovanni actualmente San Giovanni Valdarno - El 21 de diciembre de 1401 - Tomasso di Ser Giovanni di Mone Cassai, más conocido como Masaccio ("tosco", "pesado") uno de los pintores más importantes del Quattrocento. Sus primeros contactos artísticos tendrían lugar en su ciudad natal, trasladándose Masaccio a Florencia hacia 1417, acompañado de su madre, viuda de su segundo matrimonio. El 7 de enero de 1422 aparece inscrito en el gremio de médicos, boticarios y pintores de la ciudad, relacionándose con Donatello y Brunelleschi.

 El estilo de Masaccio destacará por sus figuras monumentales, inspiradas en la escultura de Donatello, actualizando las ideas de Giotto y situándose frente a Gentile da Fabriano, quien triunfaba en Florencia con sus elegantes escenas  tardogóticas. Masaccio aporta un elevado interés hacia la perspectiva científica al dotar de un nuevo sentido del espacio a sus composiciones, la expresión de sus personajes y el empleo de la iluminación, que transmiten a sus obras un lenguaje crucial para la evolución de la pintura renacentista,considerándose como el primer maestro del Quattrocento, que influiría en artistas como Botticelli, Fra Filippo Lippi o Miguel Ángel.

Algunas de sus obras fueron: el Giotto, la capilla Brancacci, el Tributo, la la expulsión de Adán y Eva y el fresco de la Santísima Trinidad.